«Los directores de cine tienen vocación de francotiradores»

Tras el éxito de 'Enterrado' y 'Luces Rojas', el director salmantino regresa a la gran pantalla de la mano de 'Blackwood'. El sentido irónico de aquel director que ya en 2001 se dio a conocer por una nominación al Goya con su cortometraje '15 días', aterriza ahora con otra coproducción estadounidense después de haber trabajado junto a profesionales de la talla de Ryan Reynolds, Robert de Niro, Sigourney Weaver y Uma Thurman. El director, amante de Polanski y el cine de autor, considera el séptimo arte una herramienta para expresar una mirada única sobre el mundo. Más aún si se trata del thriller o el suspense, dos géneros con los que Rodrigo Cortés pretende, además de impresionar al espectador, hacerle reflexionar sobre los conflictos internos.

-¿A qué público pretende llegar con 'Blackwood'?

-La película se dirige a todo tipo de público, pero es cierto que no descree del público adolescente y se dirige también a él en igualdad de condiciones y sin paternalismo. Mostrando su respeto hacia él, a la vez que es implacable hacia él, ya que uno de los síntomas del respeto es no considerar que necesitas proteger a la otra persona.

-¿Qué reflexión hay detrás de esta historia basada en una novela de Louis Duncan?

-Me he querido centrar en el pasillo oscuro del que habla el título original de la película, es decir, el oscurismo tránsito que es la adolescencia. El terror suele escenificar conflictos internos en forma de amenazas externas. En ese tránsito tan oscuro todos tenemos una relación con nuestro entorno muy agresiva y muy tensa. Añoramos la comodidad de la infancia pero no queremos volver a ella.

-¿Emplea el thriller para sacar ese lado oscuro de la sociedad?

- El thriller y el suspense es la forma de representar conflictos dramáticos internos. En el caso de 'Blackwood' acaba convirtiéndose en una reflexión sobre el arte como laguna muy oscura, profunda y negra, pero a la vez maravillosa y temible. El talento y el genio son elementos con un enorme poder tanto creador como destructor y muchas veces acaban por exigir como precio la vida de quien lo tiene.

-Sus películas alcanzan el éxito de la mano de coproducciones con EEUU, ¿es cuestión de visibilidad o deseo?

-Buscamos las condiciones en las que crees que debes desarrollar tu trabajo. Rodar para Hollywood no es el objetivo, ni la cima, ni ningún tipo de ascenso. Me daría igual rodar en la India, Sudáfrica o Murcia con tal de que fuera el lugar idóneo para la película. Volvería a rodar en español porque me interesa el lenguaje y me gustaría hacerlo con una historia genuinamente nuestra que transcurra en el siglo XVI y que no se pueda verter a otras culturas.

-¿Cuál es la situación de la industria cinematográfica española?

-El cine español siempre ha gozado de una mala salud de hierro y de una especie de crisis perpetua que le ha dado a sus directores una vocación de francotiradores. Han tenido que encontrar la manera de desarrollar las cosas en un terreno en constante cambio. Es un problema en un sentido y a la vez dota a determinadas películas de una energía muy particular y a sus creadores también.

-¿Podría ser el cine un ejemplo de aperturismo a través de las coproducciones?

-Ya está pasando de forma natural y mis propias películas son un ejemplo de ello. Es muy importante que una nación tenga sus propias películas; con su lenguaje, sus actores, su equipo. Además es fundamental que el cine se abra a otras industrias y se produzca un intercambio que desdibuje fronteras y enriquezca. Todo debe convivir y debe haber un equilibrio.

-¿Sus películas se adaptan a las nuevas formas de consumir cine a través de otras plataformas?

-Yo hago cine y creo en esa ceremonia en la que estás encerrado en la sala y no puedes hacer ninguna otra cosa. Creo en el lenguaje, en la semántica, en la fuerza de un plano general. En lo que no creo es en un rodaje con multicámara, neutro y televisivo. Sin duda, hago cine para la gran pantalla.